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RESUMEN PARCIAL 1 HISTORIA 1
DUBY GEORGES - EDAD MEDIA
En Europa vamos a tener una sociedad muy jerarquizada; en este momento las imágenes son ante todo FUNCIONALES. La sociedad le atribuye a lo invisible la misma realidad que a lo visible.
La imagen tiene 3 FUNCIONES (DURANTE TODA LA EDAD MEDIA)
Las iglesias estaban excelentemente decoradas, debían ser gloriosas. Nada era demasiado bello cuando se iba a colocar bajo la mirada del Todopoderoso.
Además, estos monumentos, imágenes, objetos eran mediadores que favorecen la comunicación con el mas allá; una aproximación a ese “otro mundo”. Su propósito era hacer ese mundo presente aquí abajo.
Las imágenes servían para enseñar a los iletrados lo que debían creer; para instruir a los ignorantes.
Por eso los poderosas de este mundo dedicaban a su gloria personal lo que no sacrificaban a la gloria de Dios, querían tener en turno a su persona un decorado que les distingue de la gente ordinaria; encargaban objetos bellos que distribuían a su alrededor para distinguirse. Por esto, la creación artística se desarrolló en los lugares en que se concentraba el poder y los beneficios del poder.
Como la obra de arte en ese momento era principalmente un objeto, aquella sociedad no distinguía (al menos hasta el S. XV) la diferencia entre artista y artesano. En ambos se veía un mero ejecutor de un encargo.
Sin embargo esto va a ir cambiando con el correr de los siglos, la sociedad, la mentalidad, la cultura , y por lo tanto, el arte.
SIGLOS V-IX: TEMPRANA EDAD MEDIA
En los inicios de la Edad media, pasando de la Antigüedad, vamos a tener una Europa que aún no existe; todo lo que se conoce se ordena en torno al Mediterráneo, en el marco del IMPERIO ROMANO. Sin embargo esto se empieza a desarmar, y la parte griega se empieza a separar de la parte latina. En es ESTE vamos a tener toda la vitalidad y riqueza de la civilización antigua, conservando su historia sin rupturas. En el OESTE, por el contrario, esto se disgrega, será una región débil y en ruinas, lo que precipita las migraciones de pueblos germanos (invasiones bárbaras)
*los bárbaros/germanos son pueblos seminómadas, “no civilizados”, que no hablan griego o latín.
Esta situación se va a mantener durante varios siglos, que dio lugar a la formación de una civilización y un arte nuevos.
A PARTIR DE ESTAS INVASIONES GERMANAS Y LA DESTRUCCIÓN DE IMPERIO ROMANO SE INICIA LA TEMPRANA EDAD MEDIA >> IMPERIO GRECO ROMANO
Esto genera una fragmentación de Europa y una mezcla de culturas: romana, germana, hebreo-cristiano.
Romana: latín // germana: goce terrenal, vivir el día a día // hebreo-cristiana: Cristianismo como religión oficial
No hay movilidad social, el hombre nace y muere igual.
Se genera una economía rural
El hombre de la Edad media NO posee conciencia de individualidad, ve un todo en conjunto.
Hay 2 acontecimientos que debilitan aún más la cultura meridional (romana) frente de la de los bárbaros/germanos:
Estos hechos se conjugaron para dar forma a la futura Europa >> Los puntos fuertes de poder político se desplazaron hacia el interior del continente, generando la decadencia de las ciudades romanas de Occidente. La fuerza de la aristocracia mixta se hizo sentir sobre el pueblo campesino, acentuando las formas germánicas de pensar, de comportarse y de tratar la imagen.
Sin embargo, la cultura romana conservaba su atractivo, y fascinaba a los invasores. Los germanos habían invadido porque querían estar al mismo nivel de esa cultura, y participar de esa felicidad que creían compartida por los ciudadanos romanos. Su mayor deseo era integrarse, y para hacerlo de verdad debían hacerse cristianos; y sin dudas lo que más había perdurado de la cultura romana era la Iglesia cristiana, ya que desde el siglo IV se había convertido en una institución oficial del Imperio, entrando en los altos niveles de poder.
La Iglesia se apropió de todo el legado cultural de la antigua roma; y tuvo un gran triunfo y expansión. Ocuparon la escuela, hicieron lo posible para evitar el “contagio” de las lenguas rústicas sobre el buen latín.
Principalmente se apropiaron de los edificios, ampliando los que quedaban en pie o construyendo nuevos; siempre tratando de imitar la magnificencia de la época constantiniana, de la tradición clásica.
Construyeron así principalmente BASÍLICAS, con largas naves flanqueadas por galerías que desembocaban en el ábside, con la silla episcopal.Utilizaron plantas centralizadas. >> Las basílicas servían porque necesitaban convocar fieles y tener un lugar en donde albergarlos. Las personas iban a escuchar lo que la Iglesia les quería transmitir, para convertirlos de paganos a cristianos.
LA IMAGEN >> TENÍA JUSTIFICACIÓN Y FUNCIONES
Para comenzar, el cristianismo como toda religión monoteísta en ICONÓFOBA, es decir que al Dios único no se le representa. Sin embargo, ellos si lo hacen ya que la imagen es una herramienta fundamental para atraer fieles y transmitir ideas; algo clave para destruir las religiones rivales.
La iglesia cristiana utilizaba figuras de hombres y mujeres; no podían dejar de manifestar sua autoridad ante la plebe;a través de imágenes persuasivas.
El dios cristiano se había hecho homb
re, había tomado un cuerpo, un rostro; se lo podía representar. Su imagen será mediadora; la imagen se convierte en un sacramento, un medio de unión entre la persona divina y la persona humana.
(+ 3 funciones de la imagen)
El cristianismo cada vez avanzaba más, y poco a poco se empeñaron en la conversión de Inglaterra. Se estableció así una conexión entre Inglaterra y Roma, principal eje de la construcción europea. A estas islas llegaron los evangelizadores para volver a implantarles la cultura romana; llegaron con sus libros escritos en latín.
En estos países sin centros urbanos, las instituciones de la iglesia tenían su sede en los MONASTERIOS >> Allí estaban los libros, la escuela, las imágenes, todos los reflejos de la cultura romana.
La regla bajo la cual se regían estos monasterios era la de Benito de Nursia, y se impuso en toda Europa; su éxito se debió a que respondía a las expectativas de la alta sociedad. Eran usados por la iglesia como comunidades; se parecían a las grandes casas aristocráticas, amplios dominios explotados por trabajadores dependientes; eran centros ricos arraigados a una economía rural. Allí dentro estaban provistos de todas las comodidades; y la sociedad se dividía en 3: oradores, defensores, labradores/campesinos.
Los hombres que se instalaban allí se apartaban del mundo, renunciaban a la prosperidad personal y al trato con mujeres; constituían una fraternidad dirigida por el abad, su padre. La función de estos hombres era cantar la gloria de Dios, orar por el pueblo; eran los intermediarios oficiales, y les valía ser recompensados por abundantes ofrendas. Eran además, promotores de la obra artística, fieles conservadores de las antiguas tradiciones.
CARLOMAGNO
A fines del siglo VIII el papa necesitaba ayuda militar, fue a Francia y coronó como rey a Pipino. Este rey, como todos, se sentiría compañero de los obispos, participaba en la creación artística tratando de reavivar el legado de la cultura romana.
Carlomagno, su hijo, poco a poco fue conquistando y reconquistando el cristianismo, abarcando casi toda la cristiandad latina.
En el año 800 fue coronado como rey por el clero. Ahora tenía una responsabilidad con la Iglesia y la cultura romana >> empezó a construir y decorar edificios de piedra. Se inspiró en Rávena y Roma, que eran un ejemplo de un imperio moderno, cristiano y vivo. Hizo construir una capilla desde la cual presidía, inspirándose en el Panteón.
-Hizo traer de Roma algunos bronces.
-Monasterios >> bibliotecas: conservación cultura; Carlomagno mandó a copiar todo lo escrito de rollo a papiro/códice
-Poco a poco él y quienes lo rodeaban empezaron a hablar y comportarse como vieron que lo hacían en el entorno del Papa >> este fue el primer renacimiento de los que sucedieron durante la Edad Media.
- Minúscula carolingia: fue creada por Carlomagno. Unifica caligrafía e idioma
Este RENACIMIENTO CAROLINGIO se reafirmó tras su muerte; y alcanzó su pleno desarrollo en torno a Carlos el Calvo. Quienes alimentaron este renacimiento fueron los hijos de la aristocracia, que querían volver a la “edad de oro” , hacer revivir los esplendores de roma.
LIBROS (manuscrito medieval) >> Toda búsqueda de perfección formal conducía al libro. Para el cristianismo, el libro merecía un tratamiento privilegiado ya que encerraba lo más sagrado de este mundo: las palabras mediante las cuales se establecía la conexión entre los hombres y Dios.
El arte del libro era un arte privado y confidencial; reservado al uso de los sacerdotes más ilustrados y que se guardaban en los altares, lejos del pueblo.
A quienes se encargaban de la encuadernación de los libros se les decía que tomaran como modelo las obras de la época constantiniana; reaparece así el relieve, los pintores tomaban procedimientos de la antigua roma para lograr movimiento, profundidad, etc.
LA TEMPRANA EDAD MEDIA TIENE FIN A PARTIR DE LA MUERTE DE CARLOMAGNO EN EL AÑO 814
ALTA EDAD MEDIA: SIGLO IX AL SIGLO XIII (960 - 1160)
A mediados del siglo IX, cuando el renacimiento carolingio llegaba a su auge, la cristiandad se vió amenazada por invasores musulmanes; habían sitiado las ciudades y los monasterios, y saquearon las reservas del arte antiguo, así como también los talleres de arte nuevo que allí se encontraban; el objetivo de estos invasores era robar sus tesoros. Estas invasiones fueron la consecuencia de la muerte de Carlomagno, ya que todo lo que hizo cayó con su muerte y no se pudo sostener; el Imperio quedó desprotegido.
En el año 962 el Imperio Romano de Occidente se restauró por segunda vez; en Germania. Fue allí en donde volvió a florecer el renacimiento inaugurado en la época de Carlomagno. Las sedes de la creación artística siguieron siendo las mismas; la corte imperial, que animaba a revivir los usos y virtudes de la alta sociedad romana. Los artesanos domésticos se inspiraban en estos modelos y realizaban los mismos objetos; continuando así con su búsqueda de la perfección formal.
(Ej: uso del relieve en la encuadernación)
Empieza a ser perceptible la PREEMINENCIA DE LA ARQUITECTURA >> catedrales, basílicas, con puertas de bronce a la manera romana y muchas veces se situaban en ellas IMÁGENES, a la intemperie frente al pueblo, a modo de muda predicación. Para dotarlas de mayor fuerza se instalan de manera tridimensional, ya no se hacían con grabado o cincel >> esta es una innovación que aparece, la ESCULTURA PÚBLICA.
En un contexto en el cual la sociedad se había vuelto casi por completo campesina; conforme a un plan divino, estaría dividida entonces en 3 categorías: Los que oran, los que combaten y los que trabajan; los trabajadores mantienen con su trabajo a los guerreros que los protegen y a los clérigos que les conducen a la salvación >> SISTEMA FEUDAL.
Esta distribución de los poderes nos indica en dónde se encuentra el motor de la creación artística y las razones de su expansión >> todo el excedente de riquezas producido por los trabajadores iba a manos de los que combaten y de los que oran. Principalmente a los clérigos, ya que su función se consideraba la más importante. Es así como los monasterios fueron los grandes beneficiarios del auge económico y también los focos de la creación artística.
En este contexto, los señores, si bien no eran personas sagradas como el rey, ellos se sentían designados por Dios, y por lo tanto se sentían obligados a mostrarse magníficos y a ostentar sus riquezas. Esta necesidad de ostentación los obligaba entonces a hacer todo lo posible para favorecer la creación artística; en las casas señoriales había talleres en los que hombres y mujeres trabajaban >> esto generó la dispersión de los focos del arte cortesano; era un arte profano; se perdió brillantez ya que disponían de menos recursos.
Sin embargo, los señores eran principalmente guerreros, por lo cual gran parte de su riqueza siempre fue destinada a perfeccionar la defensa de sus castillos >> esto tuvo consecuencias positivas y negativas >> por un lado Europa se había vuelto invisible, y era ahora saqueadora, triunfante por todas partes. Negativamente, gran parte de ese dinero podría haber sido usado para alimentar la creación artística.
CRUZADAS (1095) >> El Papa de Oriente le pide ayuda al Papa de Occidente para recuperar el Santo Sepulcro de las manos de los musulmanes.
El pueblo también empieza a cruzar; lo hacen por la “salvación de las almas”, gran ejemplo de este potente desbordamiento de la cristiandad latina, amada por la gente.
Estas cruzadas tuvieron grandes consecuencias:
Al volver, la gente llegaba con objetos nuevos nunca vistas en el Occidente de Europa.
-Surgen intercambios tanto de objetos como de nuevas técnicas para el arte. Así mucha gente comienza a cruzar únicamente por el motivo de comerciar e intercambiar estos nuevos objetos.
-Se expande el comercio y Europa se reagrupa.
-Se incrementa la actividad de las ferias, lo cual permite el intercambio de productos y el comercio.
-Se acuña la moneda, que cada vez circula más.
- Las ciudades se pueblan y se enriquecen.
En la época feudal se multiplican los monasterios. Lo señores estaban al servicio de Dios y debían subvenir las necesidades de los monasterios. Conseguían riquezas para ellos; la mayor parte del lujo de la tierra estaba en los monasterios.
Los señores, en cuanto tenían los medios para hacerlo, ordenaban construir un monasterio; era el complemento natural del castillo.
Estos monasterios formaban una vasta hermandad que se extendía por toda Europa. Se forman congregaciones, en ellas se centraron los medios de producción, como antes habían estado en manos del rey. Estas instituciones fueron las animadoras del desarrollo artístico el S. XI. >> El papel protagonista le correspondió a la Orden de Cluny, movimiento renovador que pretendía volver a los principios estéticos de la antigüedad.
La función que le atribuían a las obras de arte para aquela época era la de “iluminar a los espíritus y conducirlos hacia la verdad”.
Un ejemplo de esto es la obra de Surger en 1130 que es la culminación de las innovaciones monásticas del S. XI. >> Surger era un abad de un monasterio. Erigió un pórtico monumental en la entrada de la Basílica, para honrar a Dios y a la monarquía a la vez. Estaba seguro de que para ello debía utilizar el mayor lujo posible. Se convirtió en el inventor de un nuevo arte real.
En este momento la moneda se concentra en las ciudades, y por lo tanto, también el poder. Así las condiciones de la creación artística volvían a ser como en la Antiguedad, centradas en las ciudades.
A la vez, se modifican las maneras de pensar y de contemplar el mundo; se refuerzan 2 actitudes mentales:
Se produce una transformación de la relación con lo divino. A su vez, se empieza a perder la idea de que la salvación de Dios se obtiene únicamente por el poder de las reliquias sino que es por el amor. Con esto se pone en tela de juicio la función que desempeñan los monjes, y el arte monástico se deteriora.
BAJA EDAD MEDIA (S. XIII - XV) - 1160 - 1320
Esta etapa surge a partir de las consecuencias de las cruzadas.
Se amplía el círculo de hombres capaces de mostrarse magníficos; de ser promotores del arte. Ya no eran solamente los hombres de guerra y de la oración los que podían encargar obras a los artistas. Ahora la nobleza se erigía a si misma como importante y deseaba imitar a su señor, en todo lo que fuera posible.
Surgen entonces en el S.XIII el “arte popular” llamado así porque imitaba, para clientes de menor fortuna y cultura, pero deseosa de ostentar, lo que manos hábiles hacían para los más poderosos.
En las grandes ciudades se multiplican los talleres, centros de producción en donde los obreros trabajan bajo la dirección de una familia; liberados de la servidumbre principesca >> el trabajo se divide al máximo y se produce una disgregación de los oficios, lo cual no favorecía la innovación.
Así, las innovaciones se dan en los talleres que los dirigentes de la Iglesia y los más poderosos señores tomaban un tiempo a su servicio, incorporando al artista en su casa mientras realiza el encargo, y estos artistas competían entre sí siembre buscando formas de innovar.
Ya a partir del S.XIII hay una fuerte movilidad de los objetos artísticos, en esa época empiezan a ser objetos de comercio.
En una Europa aún dividida en principados, la construcción del estado moderno se inicia en un contexto de dispersión.
Al mismo tiempo, el poder espiritual se concentra plenamente; y es gracias a esto que Europa se nos presenta en el S.XIII mucho más unida que nunca, gracias a la unión de la Iglesia. La Iglesia se había convertido en una Monarquía.
Cuando pensamos en el arte del S. XIII lo que lo representa no es Roma, ni los monasterios o palacios de los príncipes. Son las CATEDRALES, monumentos distribuidos por toda la cristiandad. >> las catedrales eran la sede del poder eclesiástico. Era esencial en el sistema de enseñanza y de control.
En todas las ciudades se alzaba una catedral, presentada como fuente de poder. Tenían el poder de los SACRAMENTOS, especialmente se apoyaban en el sacramento de la eucaristía y el de la penitencia para ejercer control y poder sobre las conciencias.
Cada ciudad reconstruida su catedral, cada vez más grande y gloriosa, más alta, luminos; eran el orgullo de la ciudad >> era la expresión del poder soberano de la iglesia, esa era una de sus principales funciones.
SUMMA
Universidades (?)
En el S. XIII LA IMAGEN CAMBIA DE FUNCIÓN: Es un instrumento de PEDAGOGÍA, una explicación clara y lógica de la creación y de la condición humana. Enseñaba principalmente la historia de la salvación. Para conmover de verdad a los espectadores, los personajes de las obras tenían que parecer autenticamente vivos, con gestos y rasgos que reflejaran sentimientos. >> voluntad realista.
ETAPA MONÁSTICA Y ESCOLÁSTICA - CAVALLO Y CHARTIER
ETAPA MONÁSTICA: TEMPRANA Y ALTA EDAD MEDIA
ETAPA ESCOLÁSTICA: BAJA EDAD MEDIA
ETAPA MONÁSTICA
El lugar de producción es en los MONASTERIOS. El monje copista copia los manuscritos en el scriptorium; cuanto más tiempo y sacrificio llevaba copiar el libro, más valioso era.
Es una produción manual; y en contacto directo y en comunidad.
El material que se usa es el PERGAMINO.
Sólo tenían acceso al libro los más cultos = monjes, la iglesia
El libro era un objeto sagrado; la lectura estaba limitada a las sagradas escrituras y textos de edificación espiritual, evangelios.
Quienes tenían acceso a ellos eran los monjes/clérigos/nobles
ETAPA ESCOLÁSTICA
Surgen talleres laicos en las ciudades >> estos talleres surgen como consecuencia de las universidades y la gran demanda de libros
Hay una división en las tareas de producción: varios copia, otros encuadernan o otros corregían. Es una producción más ágil.
Se busca ACELERAR LA PRODUCCIÓN >> aparece el papel
El texto se dividió en 2 columnas, y surgen distintas técnicas de lectura y de consulta del libro >> lectura más rápida y fácil
Nace el sistema de pescia y exemplaria (universidades)
Aparecen lecturas destinadas al entretenimiento, en lengua vulgar; muchas veces escritos por el mismo lector-consumidor (sobre todo en el sector de la burguesía)
Hay un paso de una lectura en voz alta a una lectura silenciosa o murmurada >> esto se debió en parte a que como las lecturas eran textos sagrados debían ser entendidos y pensados, y además también porque los lugares en donde se leía obligaban a un tono de voz bajo. >> CAMBIA EL SIGNIFICADO Y FUNCIÓN DEL LIBRO; antes era un objeto sagrado y no siempre estaba destinado a la lectura; ahora es un símbolo de lo sagrado. Se leen muchos libros y de manera diversa y “ de a bocados” >> LECTURA EXTENSIVA
Surgen nuevos oficios >> librero y estanciero
Bibliotecas: ya no se depositan los libros como reliquias, ahora se tiene acceso a ellos. Los libros se encadenan a las mesas de las bibliotecas, para la lectura y el estudio. >> SILENCIO
El libro para a ser un instrumento de saber; en parte gracias a la transformación de la escritura y de la disposición del texto en las páginas que facilitaban y aceleraban la lectura. (rúbricas, divisiones, títulos, índices, etc)
Bibliotecas señoriales: Libros que servían de adorno; ostentaciones de riqueza
(agregar universidades, peczia y exemplaria del texto de Vezin)
EL RENACIMIENTO - PETER BURKE
En la Edad Media el hombre sólo se reconocía a sí mismo como miembro de un colectivo (ya sea raza, familia, pueblo, etc)
Es en Italia, en el Renacimiento, cuando el hombre se convierte en un individuo espiritual, y se reconoció como tal. Es en Italia en donde se genera la renovación del arte y de las ideas, y luego se expande por el resto de Europa. >> mito del renacimiento. No se tiene en cuenta muchas cosas en relacion a la edad media y a italia, y se hace un gran contraste entre la edad media y el renacimiento que no es tan así.
Los artistas del Renacimiento solían acentuar su distancia con el pasado reciente (la edad media) y minimizar la que les separaba del pasado remoto (la antigüedad clásica) que tanto admiraban. Tenían un concepto erróneo de su renacimiento; era un mito; representaban una imagen del pasado distorsionada.
Hay incluso algunas contradicciones que dejan ver que estos hombres eran bastante medievales, y que sus comportamientos e ideales eran bastante tradicionales y pertenecientes a esa etapa que ellos denominaban “oscura”. (ejemplo: libros como “el cortesano” y “el príncipe”)
Por otro lado, el Renacimiento no fue un acontecimiento singular; existieron incluso varios “renacimientos” en la Edad Media (ej: Carlomagno). El renacimiento es un fenómeno que se dio en varios momentos de la historia, es el resurgimiento del “helenismo”. Cada uno de ellos tiene sus características.
Sin embargo, podemos disponernos a ver que en esta época, en Italia, existieron varios cambios tanto en el arte, la literatura y las ideas (ya sean resurgimientos o innovaciones) dentro de un contexto sociocultural, entre 3 siglos que van desde el 1300 hasta el 1600 .
La característica principal de este movimiento es el intento por revivir e imitar a la antigüedad clásica en diferentes campos y con diferentes medios.
En la arquitectura resulta muy obvia esta recuperación de las formas clásicas, e incluso es de esperar que sea en Italia ya que es allí en donde se encuentran más o menos intactas construcciones clásicas como el Panteón, el Coliseo, etc.
Entre los arquitectos de esta generación podemos encontrar a Brunelleschi, Bramante y Palladio; quienes incluso viajaron a Roma a estudiar y a medir aquellas construcciones para poder imitar los principios sobre los cuales estaban construidos.
Incluso, estos arquitectos se ayudaron de en un libro de arquitectura escrito por Viturvio en donde se resalta la necesidad de mantener la simetría y las proporciones, comparando la estructura de un edificio con la del cuerpo humano. Columnas dóricas, jonias y corintias, con sus correspondientes frisos y cornisas; plantas circulares.
Ejemplo: “El Tempietto” de Bramante.
Construye un templo que rompe con la planta cruciforme de las iglesias medievales, y adopta la planta circular.
En cuanto a la ESCULTURA, los modelos clásicos también eran de gran importancia.
El escultor Donatello también viajó a Roma para estudiar la antigüedad clásica.
Los nuevos géneros de la escultura renacentista eran por lo general reediciones de los gérenos clásicos, como los bustos o representaciones de la mitología clásica.
Ej: el Baco de Miguel Ángel
En el caso de la PINTURA resultó más difícil encontrar fuentes y modelos antiguos, fue desconocida al menos hasta las excavaciones de Pompeya a finales del S. XVIII, por lo tanto los pintores de esta época debieron utilizar métodos más indirectos para imitar la antigüedad; ya sea haciendo que sus modelos posen como las esculturas clásicas mas famosas, o guiandose a partir de descripciones presentes en textos literarios, como fue en caso de Boticceli, en “La Calumnia”
Con el ejemplo de la Antigüedad también se estimuló el auge del retrato como género independiente. Los retratos del S.XV solían pintarse de perfil, y se prolongaban hasta un poco más abajo de los hombros. Aprox. hacia el año 1500, algunos artistas como Rafael y Leonardo prescindieron de estas convenciones y empezaron a producir obras sin ningún precedente clásico, en donde el modelo aparecía de frente, o mostraba 3/4 partes de su rostro, con planos de medio cuerpo o cuerpo entero, sentado o de pie, conversando con sus amigos o dando órdenes a los criados.
Sin embargo, en la pintura se produjo un avance crucial que no tenía nada que ver con la Antigüedad: el descubrimiento de las leyes de la PERSPECTIVA LINEAL, en el S.XV.
Hacia 1435 es Alberti a quien se le atribuye la aplicación y sistematización de este descubrimiento.
Se produce así un nuevo sistema de representación del espacio >> El horizonte se aleja. Se trata de abarcar un espacio total, homogéneo, continuo, infinito, pero centrado en un sujeto. Crean un efecto que hacer parecer una realidad lo que vemos pintado; aquí vemos la preocupación que tenían los artistas renacentistas por la apariencia de las cosas.
A pesar de todo, las artes que gozaban mayor prestigio en esta época eran las artes liberales: la literatura y la enseñanza, y no las mecánicas (escultura, pintura y arquitectura).
Lo que en esa era debía renacer eran las “buenas letras” : lengua, literatura y enseñanza. El idioma básico que se benefició fue el latín clásico, el latín medieval se consideraba bárbaro.
Los intelectuales se encargaron también de recuperar los principales géneros literarios de la antigua Roma: la épica, la comedia, etc.
Por ejemplo Petrarca en el S. XVI escribió “Africa” una epopeya en latín que narra hazañas heroicas, como también los hizo Tasso.
HUMANISMO: Es un movimiento intelectual que se desarrolló entre los Siglos XIV y XV.
Hace referencia justamente a las disciplinas de “humanidades” enseñadas en las universidades: gramática, retórica, poética, historia y filosofía moral.
Reciben este nombre porque se supone que “perfeccionan al hombre”.
Los humanistas sentían un fuerte interés en la recuperación de textos antiguos sobre matemática, medicina, astronomía, magia, etc. (Un destacado humanista fue Alberti). Estos textos jugaron un rol fundamental en el posterior desarrollo de estos estudios.
Es por esto que podemos decir que durante este período se produjo también un “Renacimiento” matemático, científico, e incluso mágico.
Los casos de Brunelleschi e incluso Leonardo da Vinci evidencian las relaciones entre las artes y el renacimiento de las matemáticas.
Entre los años 1300 y 1600 se produce en Italia un auge del humanismo. Se realizan grande esfuerzos para imitar el sistema educativo de la antigua Roma. Con este nuevo sistema se primaban las humanidades; se enseñaba a leer, escribir y hablar en latín clásico. Sobre todo por encima de la Lógica, materia central del sistema educativo de las universidades medievales.
Los humanistas se dedicaron a estudiar muchos de los textos Antiguos como el Nuevo testamento en su versión griega original, y así descubrieron que había muchas diferencias en las traducciones latinas de los mismos. Hubo un gran interés en realizar traducciones mucho más rigurosas, lo que llevó también a descubrir que las ideas de los admiradores antiguos resultaban bastante remotas y ajenas de lo que creían; lo cual poco a poco también llevó al desarrollo de la “crítica textual” para poder recobrar lo que en realidad el autor había querido decir.
En lo que respecta a la actitud que tenían los humanistas y los artistas vinculados a ellos en relación a la Antigüedad tenemos 2 elementos contradictorios: por un lado eran bastante conscientes de la distancia que existía entre ellos y la antigüedad clásica; y por otra se sentían muy próximos a los grandes romanos. Muchos creían que era posible revivir la antigüedad, y piensan que ellos podían ser los “nuevos romanos” a base de hablar, escribir y pensar como ellos y de imitar sus logros.
Uno de los conceptos clave del humanismo era el de IMITACIÓN, sobre todo de los grandes escritores y artistas. Para ellos esta imitación consistía más bien en seguir sus pasos. Muchas obras de esta época fueron incluso confundidas alguna vez con obras de la Antigüedad como sucedió con Alberti o Miguel Ángel.
Sin embargo, estas imitaciones eran parciales ya que los hombres del Renacimiento sólo podían conocer una parte fragmentada de lo que había sido la Antigüedad. Además, los italianos del renacimiento vivan en un mundo político, económico y social muy distinto al de la antigua Roma.
Estaban más lejos de antigüedad que tanto admiraban y mucho más cerca de lo que creían distante, la Edad media que tanto rechazaban, con su arte gotico, filosofía escolástica, latín bárbaro; ellos se habían formado bajo esta cultura, y en muchos aspectos pertenecían a ella.
Algunas contradicciones evidentes las vemos en materia de religión, ya que ellos eran cristianos, no adoradores de deidades paganas.
Algunas creaciones del período imitaban los modelos antiguos, pero fueron hechas bajo un contexto muy diferente, por lo cual muchas obras del Renacimiento son consideradas HÍBRIDAS, clásicas en algunos aspectos y cristianas en otros.
El Renacimiento no debe ser considerado como una ruptura con el pasado, sino como un desarrollo gradual en el cual el interés por la Antigüedad y el rechazo por la Edad Media era cada vez más fuerte.
Hay 3 factores que originan el Renacimiento:
La historia de este movimiento se inicia en el S. XIV y crece y cambia poco a poco. En el S. XVI gracias a la aparición de la imprenta y a la difusión de las ideas se introducen en las escuelas muchos ideales y se puso de “moda” entre la nobleza, cada vez lograba más adeptos.
El Renacimiento incluso puede dividirse en temprano, medio y alto. Cada época tuvo sus logros y fue superando a la anterior.
Se podría decir que, un movimiento que parecía ser revolucionario, ya para el año 1500 formaba parte del establishment.
DEL ESPACIO Y SUS FORMAS DE REPRESENTACIÓN - SIRLVIA AUSTERLIC
INTRODUCCIÓN:
La percepción espacial es una experiencia esencial que permite al hombre organizar otros ámbitos de la realidad, moverse y vincularse con el entorno físico. Cada época, comunidad y cultura tiene una forma particular de relacionarse y habitar su espacio, que se revela en las distintas modalidades del arte visual.
Las obras de arte plasman el concepto que los artistas y sus contemporáneos tienen del espacio, construido a partir de experiencias perceptivas previas y los conocimientos comunes de la época. Michael Baxandall usa la idea de ESTILO COGNOSITIVO para referirse al modo en que artistas y espectadores dentro de un ambiente cultural común, se relacionan con las imágenes artísticas.
El estilo cognositivo está formado por el EQUIPAMIENTO MENTAL con el que el hombre ordena su EXPERIENCIA VISUAL, y que es en gran parte variable y culturalmente relativo porque está determinado por la sociedad que ha influido en su experiencia. Esta competencia visual (modo particular de ver) se aplica a todas las áreas, dentro y fuera de la pintura. El artista trabaja con la capacidad visual del público (que es también la suya) y responde a experiencias y hábitos visuales.
En términos de Baxandall, el conocimiento y la experiencia que una época posee de la vivencia del espacio completan el estímulo visual y enfrentan una competencia visual capaz de producir o leer la disposición espacial de una obra de arte.
El espacio en la Antigüedad
El principio determinante de la representación antigua del espacio fue el de espina de pez, sistema de perspectiva que divide el plano en 2 a partir de un eje vertical y traza en ambas mitades las ortogonales de fuga que no convergen en un punto de fuga único (como en la perspectiva del quattrocento). Es básicamente contraria a la perspectiva plana.
Las obras clásicas poseen construcciones espaciales aproximativos y arbitrarias, guiadas por una representación del espacio empírica, no se guía por ningún sistema de relaciones matemáticamente verificable.
En la Edad Media
En esta época coexisten 2 tendencias hasta el Siglo XIV: la reducción de la espacialidad a la de un plano, y la utilización de relieve y profundidad.
Generalmente la imagen se destaca sobre un fondo monocromo, sobre dorado o sobre un decorado.
La determinación de los tamaños según la distancia sigue una escala de “grandeza espiritual”, la divinidad se sitúa en el punto más alto.
No se intenta imitar una realidad visible que percibe el ojo, sino que se recoge de la mirada interior la emanación de una vida espiritual.
La cultura medieval exalta las espiritualidades: se desarrolla sobre un plano, lugar “mental”, de una imagen que se modela sobre el símbolo.
Es difícil evaluar las distancias en el arte medieval.
Baja Edad Media (S. XII - XV)
En el Siglo XIII hay un giro importante en la historia de la representación pictórica. Algunos pintores experimentaron un nuevo y distinto interés sobre el espacio y el volumen de los objetos . Los artistas idearon distintos métodos para representar la realidad tridimensional en la bidimensionalidad del plano.
Los procedimientos que utilizaron derivaron de estudios científicos de matemática, geometría y óptica.
No podemos separar este interés metódico por la naturaleza, y su vinculación con la obra pictórica, del contexto histórico en que tuvo lugar. Se estaba atravesando por profundos cambios sociales, espaciales, temporales y cognositivos. El mundo empírico adquiere un valor muy distinto al de antes; en donde la realidad se acerca cada vez más a la realidad terrena.
Es por esto que necesitaron encontrar nuevos métodos para poder representar el nuevo mundo que estaban comenzando a descubrir.
Se utilizaron muchos métodos de perspectiva: frontal, oblicua, lineal, centralizada, etc. Finalmente, hacia el S.XV el sistema lineal fue adoptado por la mayoría de los artistas y se impuso sobre el resto.
SIGLO XV
En 1435 Alberti es quien logra sistematizar los diversos descubrimientos realizados en relación a la perspectiva lineal.
Nuevo sistema de representación del espacio >> El horizonte se aleja. Se trata de abarcar un espacio total, homogéneo, continuo, infinito, pero centrado en un sujeto. Crean un efecto que hacer parecer una realidad lo que vemos pintado; aquí vemos la preocupación que tenían los artistas renacentistas por la apariencia de las cosas.
La nueva técnica implica también una nueva actitud de los hombres frente al mundo, vinculada a los aspectos científicos del humanismo.
Hacia finales del siglo, este método ya se convierte en una especie d regla de oro de la representación del espacio en el plano bidimensional.
Manierismo
Se da durante el Siglo XVI, frente al naturalismo del Renacimiento, el manierismo plantea una nueva relación del arte con la naturaleza, abandonando la teoría de la copia.
Se utilizan distintos valore espaciales, escalas distintas, posibilidades de movimiento. Se usan figuras reales en un espacio irracional y ficticio. Busca sobreponerse a toda limitación espacial y a la vez no se resigna a renunciar a los efectos expresivos dinámicos de la profundidad espacial.
BARROCO (S. XVII , REVOLUCIÓN CIENTÍFICA)
La mayoría se interes ahora por romper la regla ya conocida de las perspectivas, y se opta por la ANAMORFOSIS (deformación)
Se construyen espacios ilusionistas para superar los límites arquitectónicos reales, sobre todo en la decoración de iglesias, palacios, etc. Esto está vinculado a los deseos de persuasión y comunicación inmediata, características del barroco.
BURGUESÍA Y ESPÍRITU BURGUÉS - ROMERO
Hay una clase social (la burguesía) que tiene especial importancia en las transformaciones que se producen durante la Baja edad Media (S.XIII - XV) ; esto se debe a que este grupo social poseía una singular idea de la vida y del mundo, que contrasta con la predominante de aquel momento >> naturalmente, a esta cosmovisión del a denomina ESPÍRITU BURGUÉS.
Sin embargo, este espíritu burgués tiene una historia de formación y desarrollo, por lo cual no está unido únicamente a esta clase social ni a este solo período. Hay un proceso de aburguesamiento en Europa, que consiste justamente en la constitución y difusión del espíritu burgués, a través de diversos grupos sociales; y en cierto punto, esta “saturación” de espíritu burgués nos lleva al desarrollo de la Edad Moderna.
Algunas cuestiones a resolver son cómo y cuándo se constituye el E.B y cuándo comienza a difundirse; y resolver esto nos da una sólida base para plantear el paso de la Edad Media a la Edad Moderna. >> Para empezar, el proceso de formación del E.B no está únicamente ligado a la burguesía, sino que sobrepasa los límites de este grupo social. Sus gérmenes han ido apareciendo poco a poco y no siempre en relación directa a la burguesía; ya en la Alta Edad Media empiezan a aparecer un conjunto de diversas reacciones de lo que luego será justo llamar E.B, a estos cambios vamos a denominarlo ESPÍRITU DISIDENTE. Si bien no llega a constituir un sistema coherente de ideas, son las primeras tendencias que surgen entre los S.XII Y XIII que empiezan a oponerse de cierta manera al espíritu cristiano feudal.
La causa de la aparición de un espíritu disidente se debe a que alrededor del S.XI gracias al debilitamiento de las presiones musulmanas, se logró ampliar el horizonte geográfico y se generan interacciones culturales; generando el conocimiento de nuevas ideas y formas de vida que poco a poco iban a influir en las concepciones tradicionales.
Esto ayudó a reactivar la economía y en consecuencia, el florecimiento de las ciudades y del comercio; el aumento de riqueza y la importancia que tomó la moneda favorecieron el desarrollo de la naciente burguesía, cuya forma de vida entraña de hecho un ataque directo al sistema cristianofeudal.
Nace un nuevo tipo de hombre, que decide abandonar su condición de colono y busca alcanzar la fortuna a raíz de su propio trabajo, para lo cual debía desprenderse del sistema de ideas habitual. Es este nuevo tipo de hombre del que saldrá el burgués, que consagra su vida a la conquista de la riqueza.
Este nuevo hombre debe enfrentarse a lo desconocido y superar los temores y las ideas establecidas; debía realizar actividades que requerían una nueva actitud frente al mundo y a la vida, muy distintas a las habituales.
Para este nuevo hombre, la realidad era solamente la realidad, y el mundo tenía para él un valor más alto que el trasmundo.
Con esta actitud inconsciente se relaciona el vivo interés que cobró el conocimiento de lo inmediato, de las maravillas del mundo, de la naturaleza, sobre la cual se buscó lograr un poder para poder engendrar riqueza a partir de ella. >> Así se constituyó el espíritu disidente.
Junto a la naturaleza, se empieza a advertir la presencia del hombre; el espíritu disidente no concibe al hombre como un héroe divino, sino como un ser de carne y hueso con un destino terrenal.
Percibe también que tiene nuevas posibilidades, y descubre que puede trabajar para sí mismo. Esta actividad podría significar fortuna, ascenso social, ocio y goce; se desprenden de la antigua idea de la “no movilidad social”.
2 cosas que condenaba la concepción cristianofeudal de la vida fueron consideradas por el E.D: el goce terrenal y el trabajo.
El goce terrenal, la alegría de vivir, era considerado un pecado.
El trabajo productivo era considerado un oficio innoble para los ojos de las clases privilegiadas; los “labradores” estaban abajo en la pirámide social e incluso su existencia se justificaba por su valor instrumental para servir a las clases más privilegiadas.
Otra característica de este E.D son las nuevas formas de convivencia, que poco a poco tienden a la despersonalización del poder, a asentar relaciones políticas, normas objetivas y comunes al grupo; características de un Estado Moderno.
Cuando la Burguesía empezó a cobrar personalidad y conciencia de su fuerza, comenzó a formar sus propias ideas y tendencias, y así el E.D comenzó a ordenarse. Sin embargo, no hubo una expresión categórica de los ideales burgueses.
A pesar de esto, la situación era irreversible. La burguesía y su espíritu triunfaba en muchas partes, y ganó para su causa grupos de todas las clases sociales, desde la aristocracia hasta los sectores más bajos.
LA IMPRENTA - MARTIN
Siglo X y XI: Luego de las cruzadas, el comercio se expande, se fundan las universidades, hay un desarrollo del comercio y un crecimiento de las ciudades.
La escritura renace, hay más producción de libros, más demanda, especialmente relacionados al comercio.
En Italia, desde el S.XIII se introdujeron nuevos tipos de escuelas, adaptadas a las necesidades comerciales, lo cual hizo posible la alfabetización de una buena parte de la población.
Se creó la necesidad de un lenguaje más claro y universal; y bajo la influencia del humanismo y su adoración por la antigüedad se vuelve a la escritura antigua, a la minúscula carolingia.
Sin embargo, el hombre medieval tuvo un largo proceso para poder adaptarse a estos cambios, ya que no conocían otra cosa que la lectura en voz alta, intensiva; tratando de memorizar los manuscritos de aquella época.
Gracias al humanismo y su esfuerzo para la aplicación de diversos sistemas de puntuación es que entre los S.XIII Y XV se iniciaron formas más rápidas de leer.
El nacimiento de la imprenta
Previo al Renacimiento hubo grandes movimientos intelectuales, literarios económicos, tecnológicos y políticos, entre los cuales la imprenta ocupó el centro.
En el siglo XV en Alemania vamos a tener un gran despegue de la economía y de la industria metalúrgica, ya tenemos el papel bien introducido en Europa y empieza a aparecer en grabado en madera para reproducir imágenes.
Sin embargo, tenemos un problema a la hora de reproducir los textos, ya que era difícil reproducir exactamente por medios mecánicos los signos que forman el alfabeto latino >> la solución fue la invención de un nuevo procedimiento, LA IMPRENTA, que permitía obtener cantidades de caracteres exactamente iguales.
La imprenta surge entonces por necesidad, en el año 1450 en Alemania, por Gutenberg.
El antecesor de la imprenta fue la Xilografía, el grabado en madera.
La innovación de Gutenberg es hacer la fundición de caracteres en metal y la utilización de la prensa de madera que era manejada por hombres. Esta máquina sin embargo logró un gran rendimiento.
La evolución del libro
Esta nueva tecnología trajo consigo una racionalización del trabajo que dio paso a una producción estandarizada, lo que iba a ocasionar una completa revolución; esto lo podemos ver en los variables libros impresos entre los siglos XV y XIX.
Los primero libros impresos imitaban a los manuscritos, las letras iniciales se hacían a mano y luego fueron empezaron a ser grabadas en madera.
Al mismo tiempo surgía un cambio fundamental de la mano de los humanistas, que buscaron regularizar la ortografía, sistemas de puntuación, división en párrafos, etc.
Hacia 1530 se habían logrado establecer algunas innovaciones como la página para el título, junto con el autor y otros datos, índices, numeración de páginas o folios, etc. Y además, con el triunfo del humanismo también las formas de letra romana, desplazando a la gótica. >> Así nació el LIBRO MODERNO. Se hicieron muchos esfuerzos para lograr que el texto sea más accesible, generando como consecuencia nuevas formas de lectura más rápidas e individuales.
Durante la época de la imprenta manual, el libro tuvo muchos usos distintos.
Libros que se coleccionaban, por ejemplo. Pero junto con estos aparecen otros libros que sugieren otras formas de leer y otras actitudes; como por ejemplo romances aristocráticos, baladas, literaturas callejeras,almanaques, alfabetos, etc.
El comercio del libro
Con la aparición del la imprenta el libro se convierte en un objeto de comercio.
Algunos aspectos económicos en cuanto a la producción, y la relación entre el coste por unidad y la tirada de impresión: Principalmente las tiradas eran cortas, ya que los impresores no iban a arriesgar su capital si no estaban seguros de que iban a vender todo; simplemente imprimía una nueva edición cuando era necesario. Además, generalmente se recurría a un sistema de intercambio por lo cual el editor-vendedor de libros tenía que esperar mucho tiempo para recuperar sus inversiones.
A partir de esto empezaron a surgir nuevas formas para el comercio organizado de los libros, trabajando en grupos, y una estrecha relación entre los vendedores y los impresores.
Los circuitos del libro
Hubo un gran impulso en la producción de libros más pequeños y económicos para llegar a un público más amplio en las lenguas vernáculas.
Las autoridades controlaban los,libros a través de licencias, privilegios y censura.
Posteriormente llegan entonces las publicaciones clandestinas, ediciones piratas y el contrabando, generalmente de la mano de vendedores ambulantes clandestinos.
EL ASPECTO DEL LIBRO - INCUNABLES (FEBVRE Y MARTIN)
Los incunables fueron los primeros libros impresos; no son libros modernos sino que son una transición a él.
Los primeros incunables eran exactamente iguales a los manuscritos medievales; ya que los impresores de aquella época lo que buscaban era imitar, y no innovar >> el por qué des esto es básicamente que los manuscritos que ya conocían eran los que les servían de modelo, no conocían otro tipo de libro.
La imprenta, en este y en muchos otros casos en cuanto a la elaboración del libro, no produjo un cambio inmediato y radical, sino que fue un lento proceso.
Los caracteres
Había 4 principales, cada uno con su especialidad
Usos: A cada clase de obra y de lector en consecuencia, le correspondía un tipo determinado.
-La letra de summa se usaba para textos eclesiásticos o universitarios
-La bastarda para textos laicos, obras escritas en lengua vulgar
-La romana para obras de humanistas y clásicos latinos
La imprenta, sin embargo, poco a poco tuvo una influencia unificadora, sobre todo por razones de tipo material. Era muy difícil adquirir todos los tipos idénticos a la escritura de los manuscritos, por lo cual se logra entonces una unificación de los tipos regionales; y finalmente terminó triunfando el tipo romano en la mayor parte de Europa; claramente esto se debe a la gran influencia de los humanistas que finalmente ponen de moda la escritura romana, que además fue sostenida por los más ricos que compraban estos manuscritos de nuevo modelo.
El tipo romano se convierte ya en el favorito y se empieza a usar también en textos de lengua vulgar, desplazando a la bastarda. Sin embargo, obviamente hubo varios sectores, sobre todo la masa burguesa y la gente común, menos rica, que continuaron fieles a la gótica bastarda a la cual estaban acostumbrados, por lo cual se siguió utilizando para la producción de libros populares, almanaques, etc.
El estado civil del libro. Incript, colofón y marca
“El estado civil” de un libro hace referencia a la portada, la cual no existió en los libros hasta el Siglo XVI/XVII
En la portada de libro lo que encontramos es el nombre del autor, el título de la obra, el lugar de edición, el editor y la fecha de publicación; antes de que existiera la portada los lectores debían ojear durante mucho tiempo el libro para conocer el estado civil del libro.
Por otro lado, hasta el S.XVII era necesario buscar en el final del volumen, en el colofón, heredado de los manuscritos, más información.
En el S.XV surge un nuevo elemento, la marca tipográfica, grabada en madera, signo de libreros e impresores que indicaba el origen del libro y además lo adornaba otorgaba cierta calidad.
Ya para el 1530 cuando el humanismo triunfa, se trata de dar a los nuevos libros títulos cortos que se imprimen solo con el nombre del autor y el pie de imprenta, adquiriendo el aspecto de la portada actual.
Hace su aparición también en grabado en cobre en el S.XV, lo cual trae cambios en la portada.
No permite imagen y texto a la vez, por lo cual poco a poco la ilustración empezó a ocupar toda la superficie de la página, dejando los datos del autor y demás en la parte inferior, mientras que el título pasaba a estar dentro del libro.
La presentación de los textos y el tamaño de los libros
Los primeros incunables se presentaban tal cual los manuscritos, pero se hizo un esfuerzo por aligerar los textos y presentarlos con mayor uniformidad.
Poco a poco las líneas se fueron espaciando, los caracteres se hicieron más gruesos, se usaban menos abreviaturas, se buscó también indicar el orden de las hojas pero fue un proceso lento, también se espacian los renglones y se destacan mejor los títulos de los capítulos >> todo esto fue un lento proceso que en parte se modifica a partir de los gustos del público, desde que hicieron triunfar una nueva literatura y la aplicación general del tipo romano.
Gracias a la imprenta y a la multiplicación de los textos, el libro deja de ser un objeto precioso que debía consultarse en la biblioteca, y el lector empieza a tener el deseo de poder transportarlo y consultarlo cuando desee >> de aquí el éxito de los libros portátiles en la primera mitad del siglo XVI.
Sin embargo los estudioso siempre prefirieron los grandes libros in folio porque eran más claros.
La ilustración
Ya existía en los manuscritos pero solo eran accesibles a grupos reducidos y privilegiados, además era un procedimiento largo y costoso.
Pero cuando el libro se hizo de fácil acceso para gran parte de la población, se hizo necesario un procedimiento distinto: a la reproducción en serie de los textos debía corresponder un medio mecánico para reproducir imágenes en serie >> la xilografía sirvió para este proceso, ya que además permite grabar texto e imagen a la vez; y no presentaba casi ninguna complicación por lo que fue muy bien adaptada.
Durante este período la calidad de los libros ilustrados fue muy importante.
Las ilustraciones de los libros tenían el mismo objetivo que en los manuscritos: educar al público que apenas sabía leer, explicar un texto por medio de imágenes, contar la vida de Cristo y de los santos; los textos más exitosos fueron entonces los de carácter moralizador, publicados en lengua vulgar.
Más que un objetivo artístico, la ilustración de estos libros tenía un fin práctico: hacer visibles ciertas escenas que la gente oía evocar a diario; no se pone mucho énfasis en juegos de luces y sombras, generalmente eran figuras sencillas, dibujadas y grabadas a grandes rasgos.
La influencia del renacimiento italiano se dejó sentir en la ilustración de los libros; los primeros humanistas del S.XVI veían con desprecio a los libros ilustrados ya que estos textos ilustrados iban dirigidos a aquellos que no sabían leer, que eran ignorantes, público al cual los humanistas despreciaban.
En 1550 hay un alza de precios en Europa que afecta a la ilustración; cada vez hay menos libros ilustrados, y cuando volvieron a hacerlos a finales del siglo (XVI) los editores empiezan a utilizar el grabado en acero, que permite un contraste de luces y sombras y trazos más finos.
En el S.XVI tiene éxito la calcografía a partir del grabado en cobre >> permite reproducir fiel y detalladamente las imágenes >> surge así la estampa que desempeñaron un papel fundamental en la difusión de las obras de arte.
Sin embargo, en el S.XVII el libro ilustrado pierde importancia debido a las condiciones económicas que llevaron a la reducción del uso de las ilustraciones; sólo las obras lujosas eran ilustradas. >> en este siglo se hace muy evidente un divorcio entre la imagen y el texto , pero ya en el S. XVIII no ocurre lo mismo gracias a la evolución de la economía. Reaparecen las viñetas y el público se apasiona por los libros ilustrados, aunque vana estar dirigidos únicamente a obras de lujo para los más privilegiados.
La encuadernación
Durante la época de los manuscritos las encuadernaciones eran de gran resitencia y calidad; en esa época los manuscritos, e incluso el libro impreso, era una mercancía costosa y rara que merecía ser protegida.
En los inicios del libro impreso no hubo una gran diferencia con los manuscritos medievales; se revestía la tapa y el lomo con telas preciosas para libros de lujo, y en los demás casos se usaban cueros.
En 1840 se empiezan a sentir los cambios de la imprenta; el libro se multiplica y deja de ser exclusivamente monástico; pero hay algo que es importante decir y es que, en esa época los libros no se encuadernaban regularmente, simplement se hacía en pequeñas cantidades conforme a la demanda.
Sin embargo, cuando se empezaron a producir cada vez más libros impresos, empiezan a ser encuadernados pero modifican la técnica para poder realizar un producto en serie, de buena calidad pero economico para satisfacer la demanda: se sustituyen las tapas de madera por tapas de cartón, más económicas y livianas, las cuales eran decoradas con la técnica de la placa.
A fines del siglo XVI aparece la técnica de la rueda para decorar las encuadernaciones; sistema que consiste en un cilindro de metal sobre el cual se grababa un motivo decorativo que se repetía varias veces.
También surgen nuevos procedimientos para la encuadernación de libros de lujo; aparece un nuevo material, el TAFILETE, que más tarde empezó a ser usado para encuadernaciones comerciales aunque seguían resultando costosas.
INVENCIONES GRÁFICAS Y CAMBIOS CULTURALES - ALDO MANUZIO Y LA EDICIÓN HUMANISTA
La invención de la imprenta no produce cambios inmediatos en la producción de los libros; el libro impreso se aparta muy lentamente de su antecedente, el manuscrito.
Entre fines del S.XV y principios el S.XVI se consolida el libro impreso como nuevo soporte de comunicación intelectual. Gran parte de las innovaciones gráficas surgen en Italia ligadas al humanismo, generando también una nueva relación entre el libro y el público lector.
Gran parte de la renovación de los modelos gráficos que sucede entre estos siglos, se le atribuye a Aldo Manuzio, editor, impresor y tipógrafo, humanista. Logra romper con una tradición gráfica precedente, esto expresa cambios sociales y culturales.
Aldo Manuzio como editor
Instaló su imprenta en Venecia, ciudad muy comercial.
Su objetivo era editar con el mayor rigor y pucritud posible los textos clásicos; quería renacer la civilización griega y romana a través del rescate de su lengua y literatura.
Fundó la Academia Andina en donde intelectuales discutían sus textos para asegurar la versión más correcta.
Muchas de sus ediciones abarcaron temas de filosofía, historia, poesía, ciencias naturales, medicina, etc.
El elemento más destacado de Aldo como editor fue la publicación de gran parte de los clásicos en una colección de bolsillo, económicos y transportables, ganando nuevos lectores para nuevos textos.
Generalmente eran libros en pergamino, escritos en letra humanística o cursiva, ricamente iluminados. La mayoría eran textos de autores clásicos sin comentarios ni notas. Eran ejemplares de lujo destinados a uso privado. Estos libros de bolsillo eran nuevos en formato y uso de texto, pero estaban limitados a una circulación elitista; pero en el año 1501 Manuzio transforma este modelo en un producto de amplia difusión.
Aldo Manuzio como tipógrafo
Con la aparición de la imprenta, son los impresores quienes tienen la responsabilidad del diseño de los libros. Define la medida, el tipo de letra, los márgenes, los formatos, colores, encuadernación, etc.
Gracias a los nuevos avances tecnológicos es posible lograr muchos cambios, pero otro factor clave son los cambios sociales y cultlurales que dan lugar a innovaciones >> La visión humanista (obviamente ellos también eran lectores) tuvo que ver con las modificaciones que se produjeron en el libro en esta época, rechazaban los grandes folios,, la letra gótica, los comentarios. Así, los editores o libreros modelaron la experiencia de lectura de los intelectuales renacentistas.
Con respecto al diseño tipográfico, hasta entonces se utilizaba la tipografía gótica tan despreciada por el humanismo. Aparece en 1470 un tipo móvil romano, conocido como Jenson.
Aldo buscaba constantemente innovar y mejorar la estética de sus libros y mandaba a grabar alfabetos griegos que no existian en el mercado; en 1945 nace una romana diferente a la Jenson grabada por Griffo, la “bembo” (itálica o cursiva) . Aldo se empeña en mejorarla. Griffo también había creado la cursiva aldina.
Cuando Manuzio edita la colección de bolsillo crea un tipo nuevo, para poder adaptarlo al pequeño formato del libro, que se ha llamado desde entonces itálica, aldina o cursiva.
Esta innovación de los tipos lleva a retomar la innovación de los libros de bolsillo; aprovechando la cursiva y la familiaridad de los lectores con la misma, se logra tener alcance a un público mucho más amplio para los textos clásicos. Utiliza el formato in-octavo que era usado frecuentemente para el libro de horas.
Además son encuadernados con tapas de cartón e sustituyó la piel gruesa y el pergamino por la piel de cabra fina; estos elementos adicionales fueron pensados en función de la productividad.
Manuzio prefería los libros sin ilustraciones ni ornamentos, la mayoría de sus libros están basados únicamente en la tipografía. Sin embargo uno de sus libros, que contiene 200 ilustraciones es considerado como el libro europeo impreso más bello del S.XV. Este libro además es considerado como ejemplo entre los libros impresos en los cuales la imagen se independiza del texto.
Aldo Manuzio librero
Manuzio ejecuta procesos para promocionar y distribuir sus libros de manera eficaz, capaces de hacer del producto un objeto codiciado y prestigioso; como por ejemplo catálogos y lista de precios de sus obras.
Otro detalle importante que implementa es la MARCA TIPOGRÁFICA/MARCA DE IMPRESOR. Manuzio es el primero en considerar la marca de su casa editora como un elemento primordial de prestigio comercial. Esta marca, en su caso un delfín enroscado a un ancla, fue luego imitada por los impresores posteriormente, y se convirtió en un símbolo de calidad, que era aplicado al final de los libros o también en las portadas.
Conclusión
Los editores humanistas, apoyados por los intelectuales, con el propósito de rescatar la literatura y las ciencias clásicas, terminaron generando un producto distinto. Los libros producidos por el Renacimiento no representaban ningún resurgimiento antiguo, sino la invención de algo nuevo.
BARROCO
OBJETIVOS SOCIOPOLÍTICOS DEL EMPLEO DE MEDIOS VISUALES - MARAVALL
Los objetivos que busca la cultura barroca son la difusión y acción eficaz, y por esto podemos comprender en interés con el cual manejan los elementos visuales y el importante papel que se le da a la función óptica. Siempre se va en busca de la eficacia de la imagen visual.
El Barroco es una cultura de la imagen sensible; utilizando los medios plásticos, la cultura del Siglo XVII lleva a cabo sus fines de propaganda. El arte de la época está animado por un espíritu de propaganda, y partimos de que para lograr su objetivo la imagen es un recurso eficaz; por eso también sostenemos entonces que “no se intenta conceptualizar la imagen, sino dar el concepto hecho imagen”
En las ciudades barrocas se levantan arcos triunfales, altares, fuentes artificiales para festejar o conmemorar un acontecimiento, para poner e relieve su importancia. Sobre estos monumentos magníficos se dibujan jroglificos y otros géneros de pintura. Se busca con ellos captar la atención del público, de generar un sentimiento de admiración.
El hombre del Barroco no tiene suficiente confianza en la fuerza de atracción de la pura esencia intelectual, y se esfuerza en revestirla de elementos sensibles que la graben en la imaginación, para esto se apela a los medios visibles, las imágenes.
El ojo es la vía por la cual se produce la comunicación del saber a otros.
El hombre del Barroco sostiene que los ojos son los medios más directos y eficaces de que podemos valernos en materia de afectos, ellos van ligados al sentimiento. Por eso estos hombres saben que la visión directa es muy importante; de ella depende que se enciendan movimientos de afección, adhesión. entrega, etc.
De estos recursos se vale no sólo la Iglesia, sino también los políticos y todo quellos que pretendían atraer una masa a sus posiciones ideológicas.
Además, no solo se trata de enseñar a través de la imagen, sino de alcanzar un “práctico concepto”, es decir, un concepto que encarne en acción.
En el Barroco se desarrolla la tendencia a que ciertas escenas, cuya contemplación puede despertar sentimientos religiosos o políticos, se desarrollen, para más pública contemplación, en las calles. A través de las representaciones plásticas de todo tipo se trata de conseguir la infiltración de un contenido doctrinal.
Se piensa que la pintura es la primera de las artes, e incluso surge el término “pintoresco” , palabra que expresa el mero hecho de que algo pertenece a la pintura, pero ahora se convierte en un atributo de calidad.
¿De donde proviene este interés por la pintura y el predominio de la misma? >> La sociedad de la cual hablamos se encuentra con que sus clases dominantes necesitan atraer una masa de opinión y atraerla, y se sirven de la pintura y le confieren un lugar preeminente, por la eficacia que ellos creen que tiene para conmover y atraer, a través de la visión.
Políticos, poetas, pedagogos, etc quieren aproximarse al modo de operar del pintor.
Es la capacidad de obrar sobre un amplio público de esa manera está la razón del papel que los pensadores barrocos le reconocen a la pintura; su eficacia y su fuerza es lo que más la caracteriza.
Admiran la posibilidad que tiene la pintura de captar la vida; la realidad que el Barroco pretende dominar se encuentra en la cambiante esfera de la vida, la pintura para ellos es un medio especialmente apto para dar cuenta de las experiencia de lo real humano, de lo vivo.
Una contradicción que hallamos en el Barroco está entre su pretensión de captar lo real vivo y el peso que en su estética tienen las representaciones ideales basadas en la concepción de las jerarquías sociales. Lo que el barroco nos ofrece no es nunca puro y simple realismo. Incluso en los retratos podemos ver elemento generalizadores que reflejan los caracteres de grupo según su posición social. Según ellos, unos son feos, otros hermosos, unos distinguidos, otros vulgares; no es su ser singular, sino por necesaria derivación de su jerarquía en la escala social.
El Barroco se sirve de toda una serie de elementos decorativos cuyo papel es hacer visible la grandeza del personaje que aparece rodeado de ellos, y a la vez estas demuestran las cualidades que le pertenecen debido a su condición social.
(Ej: Bernini)
No se trata entonces de puro realismo, por todas partes aparecen estos “idealismos”, debido a esta concepción estamental de la sociedad.
El Retrato en el Barroco, es considerado como un testimonio de psicología, objeto para conocimiento de lo humano. Antes solo era para figuras heroicas, ahora el repertorio de personas es mucho más amplio e incluso se cambia la posición de los personajes, por ejemplo colocando a los bajos como protagonistas (1), o invirtiendo sus papeles (2).
Ejemplo: 1) Las hilanderas (Velazquez) 2) Los borrachos
2) El cuadro describe una escena donde aparece el dios Baco que corona con hojas de hiedra, a uno de los siete borrachos que lo rodean. En ella se representa a Baco como el dios que premia o regala a los hombres el vino que los libera temporalmente de sus problemas. En la literatura barroca, Baco era considerado una alegoría de la liberación del hombre frente a su esclavitud de la vida diaria. Puede que Velázquez realice una parodia de dicha alegoría, por considerarla mediocre.
El dios esta metido en la obra como una persona más dentro de la pequeña celebración que se representa pero proporcionándole una piel más clara que a los demás para reconocerlo con mayor facilidad.
La escena puede dividirse en dos mitades. La de la izquierda, con la figura de Baco muy iluminada está cercana al estilo italiano inspirado en Caravaggio. Baco y el personaje que queda detrás aluden al mito clásico y están representados de la manera tradicional. Destaca la idealización en el rostro del dios, la luz clara que lo ilumina y el estilo más bien clasicista.
La parte de la derecha, en cambio, presenta a unos borrachines, hombres de la calle que nos invitan a participar en su fiesta. No hay en ellos ninguna idealización, sino que presentan rostros avejentados y desgastados. Tampoco se mantiene en este lado la clara luz que ilumina a Baco, sino que estas figuras están sumidas en un claroscuro evidente.
Hay varios elementos que dan naturalismo a la obra como son la botella y el jarro que aparecen en el suelo junto a los pies del dios, o el realismo que presenta el cuerpo de este. Jugando con los brillos consigue dar relieve y texturas a la botella y al jarro creando un parecido con el bodegón.
Una de las características más específicas de la pintura barroca es el uso de las “manchas distantes”, de los borrones o pinceladas gruesas.Es una pintura de lo inacabado, movedizo, adecuada para captar al hombre y la vida.
INTRODUCCIÓN - MARTIN
Contexto en el S.XVII: es una época de progresos en la filosofía y en la ciencia , de cambios en el ámbito económico y en la evolución del estado moderno. Pero es también una época que se caracteriza por continuas controversias teológicas.
Para tratar de definir las características esenciales del arte barroco, empezamos por el NATURALISMO. La verosimilitud es un principio al que se adhiere todo artista barroco. Un pintor competente era aquel que podía imitar bien la cosa natural. Los grandes temas tradicionales (mitología, retrato, arte sacro) fueron transformados y dotados de un nuevo contenido por la visión naturalista del Barroco; y se hicieron conquistas en el terreno del paisaje, la naturaleza muerta, la pintura de género.
En este naturalismo encontramos la conexión más directa entre el arte y el pensamiento barrocos: la nueva insistencia en el realismo visual está relacionada con la secularización del conocimiento y la expansión de la ciencia en el siglo XVII.
Si hablamos de naturalismo barroco no podemos dejar de mencionar la psicología barroca; la preocupación por las “pasiones del alma” se ve en artistas y filósofos de la época. La gama de emociones se amplía mucho en los cuadros, desde los cuadros de género hasta los cuadros de historia. Así el retrato manifiesta un enriquecimiento de contenido psíquico, se convierte en la revelación de una presencia espiritual tanto como corporal.
Rembrandt es un ejemplo de estos retratos.
En el terreno del arte devoto, este interés por los sentimientos conduce a cambios profundos en la representación de la experiencia visionaria: ejemplo “El extasis de Santa Teresa” de Bernini puede entenderse no sólo como ilustración de una visita milagrosa, sino como un adentramiento en la psicología del misticismo, en el que el yo intenta librarse de las limitaciones humanas para dejarse absorber por el infinito.
El naturalismo barroco sin embargo, está condicionado por una visión metafísica el mundo. Junto con la tendencia científica, convive la antigua mentalidad simbólica. Era muy común que los grandes temas derivados de la antigüedad clásica se adoptaran para fines alegóricos.
Los cuadros barrocos de género (de la vida cotidiana) contienen frecuentemente significados alegóricos o emblemáticos.(simbólico/metafórico). Incluso muchos cuadros de naturaleza muerta como la Vanitas. También los paisajes podían portar alusiones simbólicas a la transitoriedad humana, como en el ciclo de las” Cuatro estaciones” de Poussin.
Algunas de las creaciones alegóricas más espléndidas de la época fueron dedicadas a la glorificación de la monarquía Ej: Ciclo Médicis de Rubens que celebra la carrera de la reina, y a la vez atestigua el arraigo profundo que la doctrina del derecho divino tenía todavía en la mente humana.
Este período se caracterizó por la conciencia de lo finito, y esto se hace evidente en el interés por el espacio, el tiempo y la luz.
El principio del ESPACIO COEXTENSO es muy importante en el arte barroco >> se borra la barrera entre el espacio real y el espacio fingido de la pintura; o en el caso de la escultura, la estatua que trasciende los límites del nicho en el que se alberga. Hay un deseo de sugerir una prolongación infinita del espacio.
Como consecuencia logran integrar el espacio real y el espacio ficticio, y el observador se convierte en partícipe activo de la obra. Este ilusionismo barroco tiene una finalidad persuasiva: trasladar la atención del espectador de las cosas materiales a las cosas eternas.
El espacio coextenso también se aplica a la arquitectura; lo vemos en las fachadas eclesiásticas de Pietro, Bernini y Barromini, donde la interpretación del espacio interior y exterior es especialmente clara. Esta característica le da a los espacios interiores del barroco un carácter especial.
La influencia del movimiento evoca la sensación de temporalidad y espacialidad. El gesto momentáneo, los aspectos cambiantes de la naturales, hablan de transitoriedad, mutabilidad, paso fugaz del tiempo. El Tiempo incluso puede personificarse como destructor; lo vemos en obras de Rubens, Poussin o Bernini en la alegoría de “la verdad revelada por el tiempo”. El paso del dia y la noche, cambio de estaciones, brindaban a los artistas otro medio para abordar la infinitud del tiempo.
LA LUZ es uno de los principales medios de expresión del arte barroco >> se entiende como un elemento necesario para el naturalista; los efectos luminosos son de vital importancia.
Típico del barroco es también que la luz divina se trate de forma naturalista; que se trate la luz como fenómeno físico y sobrenatural a la vez >> esto fue formulado por primera vez por Caravaggio y la obra de Bernini está llena de estos ejemplos.
Mediante contrastes sutiles de luces y sombras los artistas podían hacer referencia a otros múltiples significados simbólicos. El sol como fuente de la luz universal también fue objeto de innumerables imágenes emblemáticas.
Los barrocos también sugerían a través de sus pinturas una especie de irradiación personal, “luz del alma”.
El arte barroco no se puede explicar sin tener en cuenta de una influencia omnipresente de la antigüedad clásica. Casi todos los artistas del siglo XVII se habían visto influenciados por las ideas del Renacimiento italiano, y estaban afectado de un modo u otro por las imágenes e ideas clásicas.
Este clasicismo barroco fue perfeccionado por Poussin y Girardon, e incluso Rubens y Bernini se habían servido de mármoles antiguos, transformándolos en figuras nuevas y más sensuales.
REFORMA Y CONTRAREFORMA
La Reforma religiosa, nacida en Alemania, acontecimiento que desgarraría por dentro y para siempre al cristianismo europeo.
Martín Lutero, principal gestor de la Reforma. Crítico decidor del poder eclesiástico, enemigo radical de las órdenes religiosas, abogó por el término de todas las potestades institucionales eclesiásticas, puso las bases así de los poderes laicos y seculares.
La Reforma y la aparición del movimiento protestante, rápidamente popular en el norte de Europa, llevará a la sociedad católica mediterránea a cerrar filas y a afincarse en los dogmas de la tradición encarnada en la Iglesia Apostólica Romana, amenazada ahora justamente por la herejía alemana. La respuesta ante la disidencia será la llamada Contrarreforma, que adquiere carácter oficial a mediados del siglo XVI
La Contrarreforma – frente al desafío de poner la autoridad de los príncipes y el mundo laico por sobre la autoridad de la Iglesia como institución y poder- responderá con más poder al clero, con una cultura profundamente reaccionaria afincada con más fuerza en la religión y en el absolutismo monárquico, que será un garante y protector de la tradición católica-eclesiástica.
Pero esta nueva política, no significará un retroceso desde el punto de vista artístico, no se vuelve al simplismo del arte medieval, sino al contrario, todas las fuerzas del virtuosismo de los artistas descubierta por el renacimiento, ahora debe y se pondrá en servicio de la religión católica, o más precisamente de la Contrarreforma.
Para los protestantes, por su parte, la religión de ser una cosa pública e institucional, pasará a ser por el contrario, una cosa netamente privada e íntima, y en lo que respecta la representación de lo divino, los evangélicos al volverse hacia las fuentes originarias del cristianismo (evangelios) hay una tendencia, al menos en teoría no así en la práctica, iconoclasta, o al menos reservada, con respecto al arte sagrado. Esto jamás negará la posibilidad del arte entre ellos, sino que abrirá en estos países un camino llano y libre hacia los motivos laicos y profanos.
Realidad totalmente opuesta encontraremos en la cultura de la Contrarreforma, la religión reclamará y luchará en todos los campos por su validez y gloria universal. Y para representar este fin, florecerán monumentales y espectaculares Iglesias, que ya en sus fachadas y relieves parecen traer hacia la tierra la gloria del reino de los cielos; estatuas de santos, de la virgen, de mártires y padres de la tradición abundarán dentro y fuera de los templos. Y en el interior de este tipo de monumentos serán innumerables los tablados o altares, decorados por más estatuas, lienzos, bajo-relieves., querubines., etc.
Los artistas deben obrar conforme a motivos encargados por los imperativos dictaminados por la cultura profundamente religiosa y reaccionaria de la Contrarreforma. En este contexto llevarán sus trabajos a niveles extraordinarios, exuberantes. A este estilo y aun época, le llamamos justamente el Barroco.
Aquí la cultura clásica o renacentista solo aporta su técnica y sus formas, no tanto así su fondo ni sus motivos. Si uno de los triunfos del renacimiento fue justamente abrir nuevas fuentes de inspiración en el arte, con la Contrarreforma se cierra bastante esa posibilidad (al menos en lo que respecta el arte público), y será la religión otra vez la que concentrará casi la totalidad de las representaciones artísticas. Las antiguas mitologías cederán su lugar a los motivos religiosos de la piedad cristiana, y en menor medida, simultáneamente se posiciona un arte que retrata el espacio cortesano aristocrático, pero estas expresiones a diferencia de las manifestaciones religiosas, quedaron relegadas a la privacidad de los palacios y castillos de la nobleza.
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